domingo, 23 de octubre de 2011
Ana Mendieta. Comentario
Ana Mendieta (Cuba 1948 - EEUU 1985), cubana que "emigró" a Iowa con 12 años, bajo la operación americana Peter Pan, en una especie de rescate de niños cubanos de la política comunista de Fidel Castro. Vivió en orfanatos, casas de adopción y correccionales.
Mendieta sufrió y padeció durante su intensa vida el desarraigo que le habían provocado y eso le marcó y fue determinante en su creaión artística. Criticó duramente a los americanos. La idea del exilio le fuerza una nueva identidad, una nueva personalidad de un ser fronterizo.
Cargada de espiritualidad y simbolismos, mendieta toma su cuerpo como eje para su obra artística y el concepto de mujer como centro de la misma. Body Art, Land Art, Performance, escultura, fotografía.., pero su mayor expresión la centra en la performance y en el Land Art. Asocia la naturaleza a lo femenino, la tierra como origen y fin de la humanidad. Vida y muerte.
Sangre, violencia, erotismo y muerte, son los temas sobre los que gira su obra, donde la mujer, el sexo femenino, es la protagonista y su cuerpo el medio para la interpretación.
Ana Mendieta murió de manera trágica y en una situación poco clara, al caer desde el piso 34 de su apartamento en el Soho de Nueva York después de una acalorada discusión con su marido Carl Andre, el 8 de septiembre de 1985.
Mendieta sufrió y padeció durante su intensa vida el desarraigo que le habían provocado y eso le marcó y fue determinante en su creaión artística. Criticó duramente a los americanos. La idea del exilio le fuerza una nueva identidad, una nueva personalidad de un ser fronterizo.
Cargada de espiritualidad y simbolismos, mendieta toma su cuerpo como eje para su obra artística y el concepto de mujer como centro de la misma. Body Art, Land Art, Performance, escultura, fotografía.., pero su mayor expresión la centra en la performance y en el Land Art. Asocia la naturaleza a lo femenino, la tierra como origen y fin de la humanidad. Vida y muerte.
Sangre, violencia, erotismo y muerte, son los temas sobre los que gira su obra, donde la mujer, el sexo femenino, es la protagonista y su cuerpo el medio para la interpretación.
Ana Mendieta murió de manera trágica y en una situación poco clara, al caer desde el piso 34 de su apartamento en el Soho de Nueva York después de una acalorada discusión con su marido Carl Andre, el 8 de septiembre de 1985.
viernes, 21 de octubre de 2011
Martin Parr
Martin Parr, fotógrafo Británico de reconocimiento internacional por su forma y estilo de presentar a la sociedad media de su país.
Desde 1994, tras muchos esfuerzos para conseguir los votos necesarios, pertenece a la Agencia Magnum, élite del fotorreportaje. Parr fue muy criticado antes y después de entrar en la agencia, por sus estilos personales.
Trabajar en Magnum es una gran ventaja para lograr sus objetivos económicos por las ventas de sus fotografías, aunque él dice que sus imágenes se venden solas.
La ironía con la que trata a la sociedad de su pais, a la clase media británica, es la misma con la que el mismo trata al público en general. Lleno de contradicciones consentidas en sus declaraciones, justifica su obra como original, lo que nadie hace; la guerra sigue siendo muy fotografiada y por eso no le interesa, además de que "es incómoda".
Retrata a la clase media pero vende en un sector elitista y a alto coste, vaiéndose del "ridículo" de su sociedad, sin embargo se declara como "un fotógrafo más humanista de lo que uno pueda imaginar". Menos mal que reconoce que es hipócrita, pues critica el lujo y la riqueza y el vive en ese mundo. Es conocedor de los problemas del mundo, el cambio climático, la expansión demográfica..., sin embargo no quiere que sus fotos cambien nada. Por eso no quiere contar historias tristes en sus fotos, porque eso no vende.
No es un fotógrafo comprometido ni siquiera con los ideales que el mismo declara. No es un James Nechtwey.
Se puede ser un brillante fotógrafo y estar reconocido mundialmente, pero si no hay un compromiso con lo que haces pierdes todos los valores. Creo que algún día Martin Parr estará en el sitio que le corresponde.
Desde 1994, tras muchos esfuerzos para conseguir los votos necesarios, pertenece a la Agencia Magnum, élite del fotorreportaje. Parr fue muy criticado antes y después de entrar en la agencia, por sus estilos personales.
Trabajar en Magnum es una gran ventaja para lograr sus objetivos económicos por las ventas de sus fotografías, aunque él dice que sus imágenes se venden solas.
La ironía con la que trata a la sociedad de su pais, a la clase media británica, es la misma con la que el mismo trata al público en general. Lleno de contradicciones consentidas en sus declaraciones, justifica su obra como original, lo que nadie hace; la guerra sigue siendo muy fotografiada y por eso no le interesa, además de que "es incómoda".
Retrata a la clase media pero vende en un sector elitista y a alto coste, vaiéndose del "ridículo" de su sociedad, sin embargo se declara como "un fotógrafo más humanista de lo que uno pueda imaginar". Menos mal que reconoce que es hipócrita, pues critica el lujo y la riqueza y el vive en ese mundo. Es conocedor de los problemas del mundo, el cambio climático, la expansión demográfica..., sin embargo no quiere que sus fotos cambien nada. Por eso no quiere contar historias tristes en sus fotos, porque eso no vende.
No es un fotógrafo comprometido ni siquiera con los ideales que el mismo declara. No es un James Nechtwey.
Se puede ser un brillante fotógrafo y estar reconocido mundialmente, pero si no hay un compromiso con lo que haces pierdes todos los valores. Creo que algún día Martin Parr estará en el sitio que le corresponde.
martes, 18 de octubre de 2011
The Helsinki School
La Escuela de Helsinki se caracteriza principalmente por su metodología de trabajo y libertad de acción a cada uno de sus miembros.
La cámara es una herramienta conceptual y las bases de los trabajos son la serie fotográfica y la constante evolución y reinvención.
Todos los integrantes de esta escuela Finlandesa van por libre y con trabajos muy diferentes y dispares, sin embargo le une tres puntos en común:
La luz, el agua y la relación con el paisaje nórdico.
De todos los fotógrafos de Helsinki la que más me ha llamado la atención es Nelli Palomaki con sus series de retratos. Sus personajes retratados me inspiran incertidunbre, inquietud y a veces intranquilidad, pero sobre todo intriga y desconcierto.
La cámara es una herramienta conceptual y las bases de los trabajos son la serie fotográfica y la constante evolución y reinvención.
Todos los integrantes de esta escuela Finlandesa van por libre y con trabajos muy diferentes y dispares, sin embargo le une tres puntos en común:
La luz, el agua y la relación con el paisaje nórdico.
De todos los fotógrafos de Helsinki la que más me ha llamado la atención es Nelli Palomaki con sus series de retratos. Sus personajes retratados me inspiran incertidunbre, inquietud y a veces intranquilidad, pero sobre todo intriga y desconcierto.
JAMES NACHTWEY
James Nachtwey (Siracusa 1948) se formó en historia del arte y ciencias políticas. Influenciado por las imágenes de la guerra de Vietnam y del movimiento por los derechos afroamericanos, decidió hacerse fotógrafo.
Aunque ha dedicado gran parte del tiempo de su carrera al continente africano, en realidad ha recorrido todos los rincones del mundo plasmando en sus cámaras las mejores escenas de guerras, revueltas, calamidades y sufrimientos humanos, siempre con la austeridad y veracidad de un gran fotógrafo.
Conocedor de los peligros que corre en cada momento de su vida, sabe sacar fuerzas de su especial temple y valentía a favor de estar en el lugar, en la primera línea de donde se suceden los acontecimientos. El mismo dice que el peligro comienza cuando te olvidas que existe, “con los años te vas confiando y te olvidas del riesgo y ahí es donde radica el peligro”. Fue herido en alguna ocasión y lo pasó muy mal en otras muchas.
Todos los testimonios de las personas influyentes en su vida, editores y redactores de prensa, galeristas americanos y otros profesionales de la fotografía, coinciden al calificar a James Nachtwey como un fotógrafo y reportero de guerra brillante, casi sin igual, pero lo más importante es su manera de ser, su carácter personal y su visión de la vida.
Fotografía, calamidades y James Nachtwey van unidos. Su personalidad se ha ido forjando con la fotografía, con los lugares y con los personajes fotografiados. “No es fácil que te dejen hacerles las fotografías a las personas que lloran a sus seres queridos muertos”, “es preciso una labor previa de acercamiento y comprensión, con calma y respeto a esas personas al borde de la desesperación”. Luego te aceptan porque comprenden que eres el portavoz de sus quejas, que serán vistos en otras partes del mundo y eso es una manera de luchar contra las injusticias de las guerras y calamidades.
Nachtwey ha vivido intensamente el sufrimiento de las guerras y de las desgracias de las personas que se encuentran en la miseria más absoluta del mundo, en la precariedad extrema, en condiciones infrahumanas. Como el caso de la familia que vive entre las vías del tren y el hombre está mutilado de un brazo y una pierna por un tren.
James convive con ellos desafiando a los peligros de cualquier tipo y poniendo en riesgo su salud, como en las minas de fósforo donde fotografía a los mineros en la extrema miseria extrayendo rocas amarillas del volcán sin la menor protección ante los gases.
James Nachtwey trabaja fundamentalmente en analógico y en blanco y negro. Es una fotografía esencialmente directa, aunque en el laboratorio a veces dirige los revelados para conseguir remarcar sus objetivos. Estudia minuciosamente los negativos y repite los positivados hasta quedar conforme.
No es un fotógrafo eminentemente de reportajes de guerras, James es un profesional de la imagen, de la fotografía de escenas sensibles donde el ser humano vive en la más absoluta de las desgracias y la desesperación, estén donde estén. Se acerca, vive con ellos, los comprende y luego los retrata; fotografía sus vidas, sus situaciones, sus entornos y sus sentimientos.
No es un fotógrafo eminentemente de reportajes de guerras, James es un profesional de la imagen, de la fotografía de escenas sensibles donde el ser humano vive en la más absoluta de las desgracias y la desesperación, estén donde estén. Se acerca, vive con ellos, los comprende y luego los retrata; fotografía sus vidas, sus situaciones, sus entornos y sus sentimientos.
James Nachtwey ha hecho de su profesión su modo de vida y se ha dado cuenta de que no tiene vida, no tiene historia, su historia es la de los demás. Su sensibilidad ante los temas de sus fotografías le produce grandes dudas, planteándose a veces si tiene algún derecho a vivir a costa de las desgracias de los demás.
Nachtwey es sin duda el mejor más reconocido reportero actual en todo el mundo. Tiene multitud de reconocimientos y premios de diferentes entidades, organismos, empresas, etc. del mundo de la fotografía, por su labor y contribución a la divulgación de esa otra cara de la vida, la desgracia humana.
La Cámara Lúcida. Roland Barthes
¿No estamos enamorados de ciertas fotos?. Roland Barthes.
Barthes asegura en su libro "La Cámara Lúcida", que cuando sacamos una fotografía lo que fotografiamos queda atrapado, lo apresamos. Cuando tiempo después la volvemos a ver, la imagen ya no forma parte del presente sino que ha pasado a otro estadio, ha pasado a ser un recuerdo. Para Roland, la fotografía adquiere su valor pleno cuando desaparece de manera irreversible el referente, el objeto o sujeto fotografiado con la muerte.
En sus estudios y reflesiones sobre la fotografia, sus contenidos, significados, etc., Barthes distingue dos temas importantes: El Studium y el Punctum.
El Studium de una fotografía es su contenido en sí mismo, la imagen, sus formas, encuadre, lo que cuenta, sus personajes, etc. Es la imágen atrapada de una realidad pasada.
El Punctum, es un "pinchazo", una sensación, un punto sensible que pertenece y va ligado intimamente a la fotografía, y que produce una sensación especial al espectador. El punctum no es algo premeditado ni a propósito del que toma la fotografía, es simplemente una pequeña parte de élla. Tampoco el punctum es el mismo en cada espectador, depende de la sensibilidad y la subjetividad de quien mira la fotografía.
miércoles, 5 de octubre de 2011
Los Becher y su obra
Muchas fueron las críticas que recibieron los Becher, desde que en 1959 realizaran este trabajo fotográfico sobre las construcciones industriales que estaban en desuso, abandonadas y que iban a ser destruidas.
Si miramos lo que ha sucedido a lo largo de la historia del Arte, especialmente en las artes pictóricas, cada movimiento suponía un rechazo a todo lo anterior a la vez que buscaban nuevas técnicas expresivas o simplemente una visión diferente y particular.
Se podría citar lo sucedido con el Impresionismo, o el expresionismo abstracto e incluso el Futurismo, movimientos que en sus principios e incluso durante años, fueron objetos de duras críticas a veces algunos autores murieron sin ver el reconocimiento a su obra.
La obra de los Becher se centra en la fotografía de construcciones industriales dedicadas a la producción industrial, almacenaje de materia prima, etc., que las asocia y agrupa en series conforme a su funcionalidad original. Las fotografías individuales son simples, y descontextualizadas, donde desaparece todo lo ajeno a la propia construcción hasta quedarse con la esencia del elemento. Han creado una serie de fotografías de elementos cuyo único vínculo era su funcionalidad (p.e. almacenar agua), pero todos diferentes en su diseño y su construcción y eso es lo importante, lo que Bernd y Hilla Becher quieren dejar claro con su fotografía, la seña individual de los ingeniero, de sus creadores.
Sin embargo, esta obra fue tachada de "Aburrida", "minimalista", "conceptual", que ridiculiza a la industria, etc., incluso aún se concibe como una obra fotográfica que documenta una serie de construcciones industriales. Bernd y Hilla Becher insisten en que no pretendían crear reliquias y que una fotografía no puede ser un documento porque los datos que contiene son literales pero incompletos.
Si miramos lo que ha sucedido a lo largo de la historia del Arte, especialmente en las artes pictóricas, cada movimiento suponía un rechazo a todo lo anterior a la vez que buscaban nuevas técnicas expresivas o simplemente una visión diferente y particular.
Se podría citar lo sucedido con el Impresionismo, o el expresionismo abstracto e incluso el Futurismo, movimientos que en sus principios e incluso durante años, fueron objetos de duras críticas a veces algunos autores murieron sin ver el reconocimiento a su obra.
La obra de los Becher se centra en la fotografía de construcciones industriales dedicadas a la producción industrial, almacenaje de materia prima, etc., que las asocia y agrupa en series conforme a su funcionalidad original. Las fotografías individuales son simples, y descontextualizadas, donde desaparece todo lo ajeno a la propia construcción hasta quedarse con la esencia del elemento. Han creado una serie de fotografías de elementos cuyo único vínculo era su funcionalidad (p.e. almacenar agua), pero todos diferentes en su diseño y su construcción y eso es lo importante, lo que Bernd y Hilla Becher quieren dejar claro con su fotografía, la seña individual de los ingeniero, de sus creadores.
Sin embargo, esta obra fue tachada de "Aburrida", "minimalista", "conceptual", que ridiculiza a la industria, etc., incluso aún se concibe como una obra fotográfica que documenta una serie de construcciones industriales. Bernd y Hilla Becher insisten en que no pretendían crear reliquias y que una fotografía no puede ser un documento porque los datos que contiene son literales pero incompletos.
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